EL ARTE ORIENTAL
 

 
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EL ARTE ORIENTAL
El arte mudéjar en el mueble
EL MUEBLE DANES
ART DECÓ
El mueble de fin de milenio
EL ESTILO THONET
EL ARTE MUEBLE EN EL ANTIGUO EGIPTO
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LA ESTETICA CHINA
Podemos afirmar que el arte chino es un arte importante y complejo como el arte occidental, con sus escuelas, sus teorías. En él pueden encontrarse todas las preocupaciones, ensayos, fórmulas y el problema es que este arte, tan humano como el nuestro, ha sido mal comprendido y mal contemplado por el occidental, cuando ha podido conocerlo.
CARACTERISTICAS GENERALES
El arte chino, siempre ha sido admirablemente sencillo y elegante. La curva de un relieve o dibujo, de un jarrón, de un mueble no tenía nada de superfluo; todo es esencial y admirable.
La escritura china es de gran importancia en la civilización oriental, el ideograma procede de un pictograma, de un dibujo del que puede seguirse la evolución, desde las más antiguas inscripciones, grabados, del siglo XIV a.de J.C.
Esta costumbre del pictograma ha enseñado al ojo chino a hacer una síntesis de lo real, dándole este aspecto en sus rasgos más específicos sin detenerse en el detalle, buscando una forma equilibrada, rítmica, de los objetos. Toda forma se convierte en símbolo generalizado, sintético; lo real esta estilizado de la forma más significativa, mas impresionante, mas característica
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Dotado de una sensibilidad refinada, fruto de una antigua cultura, el chino desea que todos sus sentidos se aprovechen al mismo tiempo de la obra de arte: se complace con el tacto de una piedra preciosa, un hermoso jade esculpido, un jarrón de porcelana, el contacto del pulimento, el brillo del juego de los colores, la seda fina y dulce pintura, el objeto de laca.

Un ejemplo del material precioso utilizado en China es el jade. El jade es la piedra preciosa símbolo de la perfección, sustancia esencial, la más hermosa materia conocida, por su color, su brillo, dureza y sonoridad y lo suave de su tacto. En un primer momento el jade estuvo lleno de sentido mágico y contenido simbólico muy profundo. Después se convirtió en material para objetos rituales, adornos, instrumentos…Para el oriental lo esencial es la naturaleza, la expresión del “yin” y del “yan”, la regla fundamental es la de no violar jamás las leyes de la vida, buscando la naturaleza intima de los seres y de las cosas, con olvido de su propia individualidad.
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ARTE EN JADE
Ello explica el pequeño lugar reservado al hombre en el arte chino. El artista se inclinara con mucho más interés hacia el bambú, el pájaro, la cascada, el loto, el río o las montañas ahogadas por la bruma, que hacia el cuerpo humano.
En la pintura china es extraño ver la representación de una figura humana que no sea episódica. Así, podemos ver representaciones como la de un pescador que vuelve a casa, un filosofo que contempla la naturaleza, un campesino que va a su trabajo, pero estas figuras las encontramos en un rincón del cuadro, perdidas en la naturaleza, apenas visibles.
En cuanto al retrato, en China es esencialmente religioso o funerario, y nos encontramos con el retrato de un monje célebre o un famoso antepasado.
LA MARAVILLA DE LA LACA CHINA
Un material precioso que la China supo descubrir y trabajar es la técnica artística de la laca. El arte “Chou” fue célebre por sus lacas. La laca es una goma resinosa extraída de distintos árboles, que los chinos denominan Tsi, “árbol de la laca”.
Las especies que ofrecen la mejor laca son el “Rhus vernix y el Augia Sinensis” los de menos calidad se extraen del “Dryandra cordata y del Rhus semialata”. El barniz bruto, antes de aplicarse es objeto de numerosas manipulaciones y filtraciones.
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Tazón lacado dinstía Han
Se le añade aceite vegetal, sulfato de hierro, vinagre de arroz y pigmentos minerales .Los objetos que se van a recubrir de laca sufren una preparación larga y delicada: se pulimenta la superficie, sobre la cual se pega papel o seda; el fondo se recubre seguidamente con pasta de laca que se deja secar y después se pulimenta sucesivamente dándole infinidad de capas, cada capa, muy fina, se deja secar y se pulimenta con “piedra de lao-hang-chi”, son necesarias, por lo menos, tres capas, sin rebasar las dieciocho. Las lacas, se adornan con colores, oro en polvo, incrustaciones de marfil, jade, coral, malaquita, nácar, que el artista cincela y coloca.
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Recipiente de la dinastía Yuan
Existen también lacas esculpidas, “T´iao –tsi”, pasta espesa de un centímetro, cincelada y recubierta por un barniz rojo, que se encuentra en los cofrecitos, cajas de té,…etc.
La dureza de la laca es extraordinaria; los carros de madera laqueada, los cofres encontrados en las tumbas, demuestran cómo la laca permanece tan brillante y hermosa como cuando se aplicó.

Los Shang conocieron ya la laca y se han encontrado abundantes objetos laqueados en el Norte y Centro de China. En Ch´ang – sha se ha encontrado un tocador laqueado del S.III a. de c.; en Sin – yan un laúd, cuya madera esta recubierta con laca negra y escenas de caza pintadas. La elegancia y el refinamiento de la época aparece en cajas, tazones, platos, mesas laqueadas encontradas en tumbas, y que los Chau parecían preferir a los bronces.
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Plato lacado de la dinastía Ming
PINTURA DE WU DAI
La pintura de paisaje iniciada con la dinastía Tang (Wu Daozi y Wang Wai) se consolidó con la figura del pintor y critico de arte “Jing Hao” (Xinshui, prov.Shaanai 870-925). La tinta y la aguada (sin olvidar los detalles y el pincel fino “gongbi”) fueron sus medios de expresión, vivió retirado en las montañas Taihang, lo que le permitió ser un gran descubridor de los cambios de la naturaleza, que plasmó en su obra. Estudió la pintura Tang, plasmando sus estudios en su obra “Una conversación sobre el método” ( Bi Faji). En ella, representando un dialogo con un anciano campesino, reflexiona sobre el significado de la pintura y caligrafía, proponiendo seis principios:
1.”qi: libre movimiento que guia al pincel”
Es el principio que anima a el artista en la creación por encima de aspectos técnicos. El pintor
guarda en su mente la idea que transmitirá con el pincel, guiando a ésta.
2.”yun”
Ritmo, consonancia con el que se debe expresar la armonía entre las formas y la idea. Para ello
se debe omitir los detalles descriptivos, siendo sólo necesarios aquellos que enfaticen la idea
representada.
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3.“si”
Define los aspectos compositivos, proporción, estructura... conseguidos por medio de la pincelada y sus categorias.
4. “jing”
Es la necesidad del artista de expresar los cambios de la naturaleza en su aspecto anímico y que conduzcan al espectador a una comunión esperitual con el artista.
5.“bi: Habilidad con el pincel”
La habilidad y el conocimiento de las posibilidades del pincel permite dar forma al espiritu de la obra. Para representar una idea, el pincel ha de fluir al ritmo de la mente, que sólo se consigue a través del dominio de éste.
6.“mo: Habilidad con la tinta”
Se puede adquirir habilidad con el pincel (apariencia formal), pero carecer de ella con la tinat (apariencia interior) el buen conocimiento de la tinta permite crear espacio y luz, como dotar a las formas de sutilis matices por medio de la aguada
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Jing Hao organizó el paisaje por medio de la aplicación de distancias (prespectivas): distancia alta (gaoyuan), a lo lejos se alzan las montañas, en las que destaca un pico central; en el plano intermedio, árboles, rocas y cascadas.
Distancia profunda ( shengyuan), que penetra en el interior de los elementos del paisaje pierden nitidez conforme se aleja del plano central. Estas tres concepciones a menudo se complementan para lograr el efecto deseado.
EL MUEBLE CHINO
El mueble tradicional chino evoluciono de la austeridad a la complejidad y estuvo estrechamente ligado a los cambios sociales y culturales de la historia de China. Con anterioridad a la dinastía Tang, los chinos se sentaban en el suelo sobre esterillas de paja. Con posterioridad a la dinastía de los Reinos combatientes (475-221 a. de C.), comenzó a generalizarse el uso de camas y sofás como asiento. En tiempos de la dinastía Wei-Chi (220-420) y las dinastías del norte y sur (420-589) empezaron a sentarse con sillas de estilo occidental. Las esteras de paja se usaron para cubrir camas y sofás.
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La dinastía Ming (1368-1644) destacó por la preferencia de las lacas rojo púrpura, incrustaciones de nácar, jade y concha. Por su parte, la dinastía Quing (1644-1911) se decantaba por las lacas rojo bermellón, aunque también usaba incrustaciones de nácar, jade, así como concha de tortuga.
Los muebles Ming eran de una línea sencilla, uniforme, con una decoración parca y elegante. Durante la dinastía Chíng, debido al intercambio comercial con el exterior, se avanzo en las técnicas artesanales, se paso a una decoración rica y compleja que incluía tallados.
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Este habitaculo es una alcoba reservada a las damas de la alta aristocracia china, servía tanto para recibir visitas como para descansar.
El mueble chino alcanzo un gran desarrollo con las dinastías Ming y Ch´ing, por eso el diseño actual permanece dentro de esta línea. La madera es el material más importante en la fabricación de muebles. Hay dos tipos principales de muebles; los lacados y los de madera dura, el lacado se empleaba a menudo en el mobiliario de palacios y templos y en el de las casas nobles. Entre sus variedades tenemos el estilo t´ihung, de laca labrada; t´ien-ch´i, en el que la laca se emplea para rellenar una figura tallada en la madera y se alisa después, miao-ch´i, o bosquejo en laca, y luo-tien, o incrustaciones de nácar.
Entre las maderas utilizadas se cuentan la de sándalo rojo, peral, padauk, ébano y nanmu. El sándalo rojo es el más apreciado por su densidad, dureza y resistencia al paso del tiempo.
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Armario de ajuar de la dinastía Quing
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Detalle del lacado Quing y de la policromía en relieve.
Otros materiales en el mueble tradicional chino es el bambú, palma, rattan, se exportan grandes cantidades a Europa y Estados Unidos.
Los chinos son muy aficionados a los muebles con incrustaciones y tallas. En la taraceas, se emplea el jade, piedras, marfil, cuerno, ágata y ámbar, todo con brillo y vivos colores.
Entre los tipos de tallas más habituales, encontramos el relieve, el grabado, los motivos mas frecuentes son flores, dragones, animales mitológicos, etc.
En un ambiente chino puede haber pinturas u obras de caligrafía en las paredes; cerámica, esmaltes, vitrinas, arreglos florales de jade o piedra encima de una mesa cuadrada. Gracias a la prosperidad económica de China, sus habitantes dan gran importancia al diseño interior y a la decoración.
El mueble tradicional chino no solo florece en su país, los coleccionistas occidentales adquieren muebles tradicionales chinos y los exhiben con orgullo e invierten en ello.
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Detalle del entallado y policromado de una mesita Mig, se aprecian herrajes de mariposa en bronce cincelado.
ÉPOCAS CHINAS (a.de J.C)
_ -1760 Periodo legendario
1760-1122 Dinastía Yin
1122-249 Dinastía Chou
249 – 202 Dinastía Ts´in
202 – 221 Dinastía Han

(d.de J.C.)

221 – 265 Periodo de los tres Reinos
265 – 618 Periodo de las Seis Dinastías
618 – 907 Dinastía T´ang
907 – 960 Periodo de las cinco Pequeñas Dinastías
960 – 1260 Dinastía Sung
1260 – 1368 Dinastía Yuen
1368 – 1644 Dinastía Ming
1644 – 1912 Dinastía Ts´ing
1912 - - Republica China
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Taburete en madera de palo rosa con incrustaciones de nacar y jade
A partir de la caida de la Dinastía Tang se nició un movimiento basculante, en el que el sur va a sustituir al norte desde un punto de vista no sólo aconómico sino también politíco y artístico. Las Cinco Dinastías ( Whu Dai) y los diez estados (shin Ghuo) hacen referencia a los reinos formados tanto en el norte como el sur de China. Las Dinastías Song del Norte y Song del Sur marcaron el paso de la edad antigua a la edad moderna, poniendo fin a la época clasicista del arte y el pensamiento chino. Cuatro siglos contemplaran el genio creador, tanto en su forma filosófica como artística, especialmente en el ejercicio crítico de apreciación y disfrute de los objetos materiales al servicio de una vida de ocio u placer.
INTRODUCIÓN AL ARTE JAPONÉS
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El arte japonés tiene notas diferenciales muy características, que le distinguen del resto de Oriente, tanto de la India como de China. Una primera característica de la pintura japonesa es la simplicidad.
La fuerza expresiva del arte nipón emerge precisamente de su simplicidad: al artista le bastan unas pinceladas para plasmar una obra llena de valores sugrentes, de ahi nace la tendencia al dibujo lineal. El trazo linela breve, expresivo, vitalista, es lo que domina el cuadro, la pintura japonesa, va a estar, en su mayor parte inmersa en la naturaleza y cuando acogen al hombre como tema de sus composiciones, va a ser, generalmente, para ponerles en el centro de ella, inmerso en la naturaleza. En la pintura de algunas escuelas típicamnete niponas – Yamoto-e, por ejemplo, se va a dar un énfasis en los elementos narrativos y decorativos.

La escultura japonesa de los tiempos más antiguos está dotada de una extraordinaria fuerza expresiva, adquiere valores de espiritualidad que superan a la escultura china, que le sirve de modelo. Las mejores piezas de escultura budista del japón tienen una cualidad que no se encuentra en otras culturas: junto a la expresión de inalterable paz interior, de profunda espiritualidad, se da una gran cercania humana.
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El mismo amor por la naturaleza hace que la arquitectura japoneas emplee siempre materiales tomados directamente de la naturaleza y guardando sus cualidades naturales, asi, en la arquitectura tradicional la madera se empleará siempre en su color y muchas veces sin ser tratada y tallad. Los suelos de las casas estarán siempre hechos de unas esteras de juncos prensados, llamados “Tatami”.
Se puede afirmar que la cas japonesa es una reproducción de la naturaleza: las columnas de madera en su color son los árboles, el suelo de tatami imita el de los campos, las vallas de bambú que suelen rodear a la casa produce “ese ambiente de soledad y silencio que se siente en el paisaje”.
La madera es el material más familiar, más cercano al espiritu japonés, que le hace sentirse,aun en edificios religiosos, mas en casa. Aparte de ello, la madera da al conjunto una sensación de ligereza, de falta de pesadez, y sirve por si misma como elemento ornamental del conjunto.
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EL ARTE DEL MUEBLE JAPONÉS
La historia artística japonesa vive bajo la influencia china hasta el año 400 que es cuando el país se unifica y existe igual que Japón, es a partir del siglo IX, cuando el arte japonés adquiere identidad El jesuita español Francisco Javier descubre Japón en el siglo XVI y descubre una cultura bajo la influencia filosófica y religiosa Zen.
.Es en 1868 y con la llegada de la era Meiji, cuando Japón empieza a modernizarse y a relacionarse con el mundo exterior.
El mobiliario tradicional japonés se reduce, a la mínima expresión y se rige por reglas extremadamente estrictas, a todo esto hay que añadir un factor importante a esta ausencia de mobiliario; la situación geológica de la isla. Situada entre dos placas tectónicas, sufre a menudo temblores de tierra, Japón a aprendido a desarrollar una arquitectura ligera de papel y madera que era la que mejor resistía.
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Mesa de té, de pequeño tamaño apropiada para las estancias japonesas.
En el Japón tradicional no existían asientos, porque se asentaban a la turca sobre el tatami o en el suelo, tampoco había armarios ni camas. La cama es un lecho que cada mañana se coloca en un cofre de laca o detrás de un panel móvil. Los únicos muebles de la casa son las mesas bajas de laca negra de la época Edo. Los tableros escritorios y los biombos constituyen piezas principales del mobiliario tradicional.
Esta ausencia de mueble hace que se valore mucho cualquier objeto funcional de la casa, como las teteras, la vajilla de porcelana, etc.
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Escritorio japonés, la dimensión justa para realizar cualquier escrito.
En los paneles o biombos los paisajes son el tema más ocurrente y tienen un significado, expresan las ansias de libertad y conocimiento del hombre, también de la belleza.
Las influencias del budismo zen y del ejercicio de la meditación son evidentes en las manifestaciones artísticas. La contemplación de la Naturaleza supone la principal vía de meditación y de conocimiento.
El periodo histórico Edo ( antiguo nombre de la ciudad de Tokio ) comprende los años entre 1600 – 1868 y se caracteriza por el seguimiento de un nuevo arte: El arte del grabado una invención artística de la cultura burguesa.
La burguesía, una clase social enriquecida por la industria y el comercio, deciden crear su propia cultura artística a través de los grabados, el arte del grabado con sus bellas estampas impresas en biombos verticales se desarrolla en Japón a partir del periodo Edo.
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Armario japonés para guardar medicinas y hierbas.
Las estampas de paisajes en los grabados son para ellos un camino para la ilustración, el entretenimiento y la liberación. Una forma de conocer, educar y enseñar a través del juego de palabras y doble sentido literario que aparecen en los textos que acompañan a las imágenes. El Zen persigue la integración del hombre con la naturaleza (el paisaje) considerando a los elementos naturales como sagrados y dignos del mayor respeto. El agua, la montaña, el bosque a través del grabado se convierte en genero pictórico

Belleza en término zen es imperfección acompañada de antigüedad y de primitiva tosquedad. Cuando encontramos esta combinación se dice que estamos ante el resplandor “SABI” = rustica sencillez y arcaica imperfección en la aparente simplicidad. Los utensilios utilizados en la habitación de Té son básicamente de esta naturaleza.
SABI significa “soledad” equivale a renunciar a toda visión espectacular, el aspecto estético zen se alimenta del ascetismo zen es decir de una ausencia de egoísmo personal.

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EL ESCULTOR UNKEÍ
A pesar de la fama de la obra de Unkei, no se sabe la fecha de su nacimiento, pero sus obras indican que la época de maxima actualidad en su vida fue desde 1275 hasta 1281.
Hay dos obras maestras en el arte Unkeí y quizá de toda la escultura japonesa: “los monjes Muchaku y Seshin”, en el Kofuku-ji, Nara. Según la inscripción que se encuentra en el pedestal, fueron talladas en 1208. Son representaciones de dos monjes indios, los hermanos Asanga y Vasubandhu. A pesar de ello, las imágenes no representan dos figuras indues, en realidad, sino que son retratos de dos japoneses hechos con un realismo insuperable. Estas figuras marcan la cumbre de la escultura retrato en el Japón. Todo el conjunto es de un gran sentido naturalístico y real.
Nunca habia alcanzado la escultura japonesa tan fiel expresión de la realidad.
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“EL ROSTRO DE MUCHAKÚ, SOBRE TODO, ES LA OBRA MAESTRA DE UNKEÍ, REFLEJA EN LOS OJOS UN GESTO DE COMPASIÓN HACIA LA HUMANIDAD DOLIENTE, HACIA CUANTO SUFRE, Y UN DESEO DE REMEDIARLO DESDE ESA MISERICORDIOSA MIRADA QUE ARRANCA DE SU ALMA”
LA ESCUELA DECORATIVA DE SOTATSU-KORIN
El fundador de la escuela decorativa de Sotatsu-Korin fue Hon-ami Koetsu (1556-1637), artista del tipo del Renacimiento, era muy polivalente y de una genialidad extraordinaria trabajando en innumerables artes (ceramica, caligrafia, laca,etc.),reunió a su alrededor a un selecto grupo de artistas de Kioto y fue un espíritu creador, que sabía poner en sus obras el dato estético definitivo que las haría únicas. En sus creaciones de céramica aparecen nuevas formas y métodos desconocidos de aplicar el esmalte, que daban al objeto tonalidades muy singulares.
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Entre sus obras de laca se conserva una caja que le ha dado fama incalculable: se trata de un estuche para guardar los accesorios de escribir. Esta decorada con un puente que cruza en diagonal la superficie de la tapa, combinando los colores plomizo, dorado, plateado con los caracteres japoneses.
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Los detalles ornamentales, tomados de la caligrafia, son muy propios de la escuela decorativa japonesa. La escritura del Japón ya es en sí misma una obra de arte, pero en esta escuela alcanza un valor absoluto de originalidad en la decoración, Sotatsu los va a utilizar con el mismo fin decorativo en muchas de sus obras, al igual que casi todos los maestros de la escuela.
OGATA KORIN
Sucesor de Sotatsu es uno de los más grandes artistas de toda la historia del Japón: Ogata Korin (1658-1716), nacio en el seno de una acomodada familia de Kioto, Ogata Korin estaba unido a Koetsu por lazos familiares: su abuelo se había casado con una hermana de áquel y su abuelo Sohaku había vivido en la residencia artística de Takagamine. Su padre, Soken; sobresalió en el arte de la cañigrafia según el estilo Koets, siendo asimismo pintor. En este ambiente artistico se formó el espiritu de Korin. Su obra representa la elegancia y el buen gusto de la era genroku (1688-!703)
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Las primeras obrar de Korin, estaban realizadas según el estilo de tinta monocroma de la escuela de Kano, pero la mas celebre son "Lirios sobre un fondo dorado", actualmente en el Museo Nezu de Tokio,obra inspirada en un episodio de “Los cuentos de Ise” (novela del periodo Heián) y en el las hojas están pintadas de verde, al modo naturalista, y las flores con dos tonos de azul. No hay más colores en el cuadro, y sin embrago, la obra es de un sorprendente efecto decorativo. Las flores muy simplificadas, aunque dotadas de gran variedad, aparecen agrupadas en un diseño alrgado, que sube y baja de nivel para evitar la monotonia
Otra obra cumbre de Ogata es “bambú y ciruelo” en ña que la genialidad de Korin se muestra en todo su esplendor, son dos biombos en los que pinta un ciruelo rojo y otro blanco, los troncos y las ramas de ambos árboles estan pintados según la técnica de “tarashikomi” descubierta por Sotatsu y llevada por Korin a la máxima perfección.
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SOBRE PANELES DORADOS, LAS GRULLAS, OBRA OBRA MAESTRA DE OGATA KORIN
OGATA KENZAN (1663-1743)
Ogata Kenzan, hermano menor de korin expresó en sus obras su sentido más profundo e íntimo de la belleza. Era un artista con un temperamento muy polifacético: caligrafia, pintura, cerámica,..muchas veces Korin pintó algunos temas decorativos sobre objetos cerámicos hechos por Kenzan.
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En sus obras pictóricas, Kenzan ilustra muchas veces un poema con algún motivo pictórico, entre sus obras podemos destacar “Flores silvestres en canastas”. Kenzan llego a expresar sus ideas estéticas en las formas del arte Zen y encontró en tal expresión artística el modo adecuado de comunicar su sensibilidad mas profunda.
TAWARAYA SOTATSU
Son pocas las referencias sobre la vida de Tawaraya Sotatsu, pero se sabe que entre 1615 y 1635 estuvo trabajando en Kioto y Sakai y murio en 1643. La mayoría de sus obras cprresonden al periodo Edo. En 1630 fue encargado de copiar cuatro rollos ilustrados de la Vida del monje-poeta Saigyo, y el mismo año aceptó el encargo del Emperador Go-mizuno de pintar unos biombos.
El estilo Sotatsu es enormemente personal el cual omite detalles innecesarios, los colores se vuelven planos, se extienden, las montañas se ensanchan; la mayoria de veces suprime los efectos de la prespectiva o crea un nuevo ángulo de visión.
El colorido en las obras de Sotatsu es siempre vivo, rico, y en su aplicación inventa nuevas técnicas. A veces, sobre una superficie de colores planos aplica manchas disueltas y húmedas de otros colores, que producen efectos nuevos de fuerte impresionismo
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Entre las grandes obrasde Sotatsu figuran las que realizó para ilustrar temas de la literatura tradicional japonesa, asi tiene varias escenas de la Historia de Genji, en la que destaca Sekiya (la cabaña del limite), Miotsukushi que representa el encuentro del príncipe con su amante Akashi Himegimi.

Recordemos la técnica llamada “Tarashikomi” en la aplicación del color, que consiste en aplicar manchas de colores o simplemente de agua sobre otro fondo todavia no seco.Sotatsu y Koetsu pintaron algunas obras en colaboración, Koetsu puso la caligrafia, Sotatsu los motivos decorativos.
LA ESCUELA KANO EN EL PERÍODO EDO
Durante el período Edo los artistas de la escuela de pintura Kano siguieron siendo los pintores oficiales del Gobierno de Tokugawa, el más conocido de los artistas de esta escuela en Edo, fue Kano Tanyu (1602-1674). A los diecisiete años consiguio el titulo de pintor oficial de la corte y fundó la escuela de Kano en Edo. Sus obras están dentro de la linea de la pintura china de los paisajes.
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Las cuatro estaciones de Kano Tanyu realizada en 1668.
Al final de su carrera, Tanyu había supervisado la ejecución y la instalación de las composiciones de pintura mural en varias de las residencias más prestigiosas y de los mejores palacios de Japón.
A partir de 1622, comenzó el ambicioso trabajo de realizar las pinturas mural para el castillo del Edo (la residencia formal de los shogun), con la terminación del ciclo de la pintura en 1636 para el mausoleo de la familia de Tokugawa en Nikkø al norte del Edo. En 1638 recibió el título budista honorario Høgen (ojo de la ley). Es intrigante por lo tanto que sobrevivieran relativamente pocas pinturas independientes del artista, particularmente los trabajos tempranos documentados.
LA ESCUELA REALISTA DE MARUYAMA OKYO
Mientras la escuela de Kano ocupaba la dirección artística de Edo, en Kioto surgía una nueva escuela fundada por Maruyama Okyo (1733-1795), la caracteristica fundamental de Maruyama Okyo fue que su pintura se dejo influir por la Occidental, que llegaba a japón a través del pequeño grupo de holandeses que habían queado comerciando en Nagasaki. Las obras de arte occidental llegadas al Japón en aquel tiempo eran, generalmente, grabados al agua fuerte, de Holanda.

La obra de Maruyama Okyo es una combinación de la técnica de la pintura a la tinta china con el realismo de la pintura occidental, esta tendencia era nueva en el arte japonés y sírvio para dar vida a las composiciones perfectistas de la escuela de Kano en ese tiempo.
En las mejores obras de Okyo hay una sensación de grandeza que conjuga con una atmósfera natural. “Pinos cubiertos de nieve” es una de sus pinturas más características, conjuga la tinta china con el color, que logra dar frescura a la composición.
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PINOS CUBIERTOS DE NIEVE, UNA DE LAS MEJORES OBRAS DE MARUYAMA OKYO